韵律美唤醒创造-浅析艺术照明（二）
本文转自：最爱光线
作者：方方，浙江省建筑设计研究院光环境院第三设计所所长
上篇短文（爱与感动-浅析艺术照明创作手法（一））我们分析了艺术照明来自自然的灵感的创作手法，本质上来看，其创作手法还是取法自然形态的,自然虽美，但是希望大家不要瞎搞，如果要开发艺术照明产品，抓住瞬间的感动，尊重自然本身之美，有节制的表现非常重要。大凡自然，都不是完美无瑕的，在设计和生产的过程中，需要尊重这种未经筛选“不完美”。
所以今天这篇文章，我们总结一下如何抓住自然的精粹，大道至简，理解事物和世界对话的方式。
聚点成线，集线成面，世上万事万物汇集到视觉的组成，都离不开点、线、面所形成的二维、三维进而四维的空间，韵律之美天然存在，照明做为一种特殊的雕塑手法，在艺术照明中的创作元素局限性还是挺明显的，但是也有那么多艺术家，把简单的元素玩的非常到位有趣。
人类和动物最大的区别在我看来是是否拥有对美的提炼总结能力，下图是一幅原始社会捕鱼的壁画，可见阵列的小人非常有规律的重复，并突出了中间祭祀的重要地位，河水有规律的起伏，水下穿过形态各异的鱼，这幅画虽然简单，但是观之仿佛能感到古人手拍脚踩的古朴韵律，充满自然原始的朝气，使人感受到美的萌发，画面简单而有感染力。
可见，对于美的提炼，是基于生活，而高出现实的。人类利用点、线、面来糅合表达自己的思想。回到艺术照明的具体创作手法，创作的首先就是对生活经验的总结，最简单的方法之一：
“抽取形状，解读物体”
如：艺术家Kutarq Studio的对称台灯，台灯的线条隐喻了镜子内外空间的真实和虚无。
水流是生活中最接近线条的自然元素，艺术家Grimanesa Amorós想要重现水域自然优雅的美，她使用的线条化手法无疑简化了水流的形态，能快速抓住人们的眼球。
再如Elisa Strozyk的玻璃编织而成的吊灯：
人类自意识开始萌发的年代就开始自发性的编织行为，在这件作品里完美的表现了玻璃晶莹剔透的质感和光线之间的关系，使它在轻盈和质朴之间达到一种和谐。
下面这组张拉框架灯，来自Michal Maciej Bartosik，组织很简单，发光灯管组合成的立架样式的灯具，妙的是它放在尺度适合的空间里，你可以说它是“书架灯”，也可以说是一幅壁画或者其他的什么东西，仿佛没有意义，又好像跟你生活中某种经验确实有共通之处，也确实能引起人们的某种思绪，线条交叠带来的美感也是一种极方便快捷的创作方法。
不停重复所带来的韵律虽美，但是这种方法容易流于平庸，缺乏变化的结构容易使人无聊，思考在重复中如何“求变”，则可以拔高作品的高度。如下列这组马德里城市艺术照明作品“恒星”，交织的光网因为有了不规则下拉的星点线条灯，开阔了视野的丰富程度，使整个作品更加具有张力：
如果说上面这些作品在表现某些形态的同时讨论了一些与空间若即若离的关系的话，下面分析的一些作品则在尝试探索空间深度的问题，有些甚至仅仅只是利用实现错觉，试图来重建某种片段化的观念，但是他们的作品独特的视角非常有价值，我把这种创作手法称之为:
“打破和重建”
Olivier Ratsi的作品完全依托于空间而存在，你可以理解是多维空间，可以理解为艺术家对空间的结构和重读，也可以说它们毫无意义，但是当你试图解读这些作品，你无法不被它们所强烈吸引，这是人类对空间深度思索的本能反应。
Hans Kotter的一些列作品，完美的利用了这个规律，譬如极具张力的《大爆炸一瞬》。
或者《纯粹幻想》和《空间重塑》单单研究点线面在空间中关系的作品：
或是一些利用视觉错差的作品：
上次我们分析了户外的艺术照明做为场所记忆点的尺度感问题，用本篇讨论的手法同样可以重建这种地标性艺术照明，比如Dennis Parren的灯塔，除了名字以外，他的形式意义远远超过内容意义，虽然庞大，但是它的炫目性足够安放它的体量。做为场所记忆点，它是成功的。
Edoardo Tresoldi与Designlab Experience合作为迪拜超级富豪婚礼所设计的场景，虽然不是纯粹意义上的艺术照明作品，但正是因为这件作品似建筑而非建筑，似雕塑而非雕塑的不可捉摸性。虚无缥缈但又触手可及，这可能正是爱情的感觉，所以在婚礼上出现的这组作品震惊世人，且有几份阴阴云雾埋仙境的意思。而灯光正是这组作品完成“仙境”气质升级最大的功臣，“光”在这里不是主角胜似主角。
美国艺术家Janet Echelman的作品这几年极富国际影响力，成为各大灯光节竞相邀请的对象，这位艺术家没有受过专业的艺术训练，但是她以渔网创作的一系列作品表现了非凡的洞察力和创作力。
光是这样一种特殊的创作语言，它必须藉由载体才能表现自己的存在，对于载体本身来说也同样如此。而且它所存在，离不开黑暗的衬托，在一片沉寂的暗中，光显得如此个性强烈，Janet Echelman的作品最佳呈现点都是户外空旷的暗天空环境之下，纤弱的渔网与高纯度的光线从黑暗中破茧而出，与前文所述Edoardo Tresoldi的作品，在创作手法上有某种共通点：与一切实用主义在决裂的边缘。
艺术作品的价值有时候正体现在这种反实用主义之上，倾尽全力去做一件没有丝毫用处的事情，这是只有社会发展到一定程度才会诞生的极致浪漫主义。
欣赏一件艺术作品，除了能达到精神上的洗礼以外，一件重要的艺术品最重要的功能是“启发”或称“触发”。前文分析的作品，当然也有相当丰富的“启发”意义，但是后面举例手法会更加鲜明一些，艺术家和艺术作品本来也不应该局限在某种既有认知方法里面。
下文的一些例子用多种手段使观者在其他的某方面开启记忆或者灵感的火花，训练自身的思维和觉悟，达到更高的精神层次。
所以在这个范畴的艺术照明创作手法上，我称之为：
“唤醒”
2017年的里昂灯光节上由LIGHT LYON节日委员会主持的Deep Web是由轻音乐艺术家Christopher Bauder和音乐家Robert Henke创作的沉浸式视听装置现场表演。
全场震颤着线条和点光源随着音乐的节奏共鸣的韵律，光线、音乐、时间完美的交织在一起，即使屏幕前观看亦觉得恨不得能参与舞动，作品的层次跨越了空间的限制，唤醒了参与者，甚至辐射到屏幕外的观看者。
这件作品另一个创作的细节是，它利用了“闭合原则”，从技术和艺术手段上看，闭合原则在这件作品中的应用加强了整体韵律的变化。
波点女王草间弥生的作品Infinity Mirrored Room（《无限镜屋》），利用灯点的形式，无限繁殖、无限覆盖，就像它的名字一样，以互联网时代核心“交互性”唤起人们对现代性的迷惘。
日本艺术团队teamLab创作了一组名为光之森林的作品，无数灯吊在空中，利用感应装置，如果人置身其中可以触发周边的灯发亮，而且是即时多人可以同时触发，teamLab希望藉此唤醒人们思考自身与周边和环境的关系。
teamLab以其大型艺术作品而闻名。2016年，他们在东京展出了“穿越水晶世界”。在这个世界里，人们可以通过APP放飞蝴蝶到现实世界。
“当你用画布创作时，画布本身就有边界；假如你做了一个雕塑，你也不能改变它。但是数字作品总是可以改变，因为数字世界并不真实存在。我们希望真正将人们带入我们的艺术作品中。“
—— teamLab传播总监Takashi Kudo
关于teamLab的经典作品实在太多，网络资源丰富，这里就不再一一列举，尽管技术超前，他们仍然在用传统的意识方法来探索人和世界的关系。
尼尔．埃亚尔在其畅销书《上瘾》里把设计结果分为：
触发——相识，吸引
行动——接触，了解
筹赏——惊喜，甜蜜
投入——热恋，维护
在这个过程中最终实现闭环才完成了设计的可持续性发展，而艺术照明虽然主要是艺术家观念的表达，但是本文想要引起关注的是艺术照明做为“产品”的创作手法，站在前文所列优秀作品的肩膀上，我希望达成的最终结果是市场上有更多基于热爱而诞生的大众都可以享受到的“设计”，并不仅仅指艺术作品。
无论什么范畴的设计，设计原理本身都是共通的，即使是“设计”与“艺术”现今的分界也愈加模糊，了解这些规律，更好的运用，才能更好的面对。
以上，与诸君共勉！
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编辑丨YANG
